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Materia y Forma 2026 regresó al Jardín de las Tullerías de París para su tercera edición (del 6 al 9 de marzo), reuniendo a más de 70 expositores del sector del mueble, los objetos y las artes decorativas. El tema de este año, Escala, invitó a los diseñadores a considerar las relaciones entre objetos, cuerpos y espacios, desde lo monumental hasta lo sutil.
Si bien los muebles coleccionables y la iluminación arquitectónica suelen dominar la exposición, varios diseñadores han centrado su atención en propuestas mucho más pequeñas. A esta escala, el pensamiento de diseño se vuelve extraordinariamente enfocado; Los materiales, la ergonomía y la fabricación deben resolverse en unos pocos centímetros de espacio, aumentando la precisión de cada decisión. A lo largo del Salón, las obras más interesantes fueron en ocasiones aquellas diseñadas para la mano, donde los gestos más pequeños conllevaban la mayor precisión.
Christian + Peine y espejo de jade, cortesía de Articles
(Crédito de la imagen: Fred Arton)
Entre las obras más pequeñas de la exposición se encontraba el peine y el espejo compacto del dúo de Copenhague Christian + Jade, presentado por Aarticles. Fabricadas en metal plateado y acero inoxidable pulido, las piezas tienen la claridad de pequeñas herramientas. El peine mide 9cm x 7cm x 1cm y el espejo es un poco más grande, 10,5cm x 5cm x 1,5cm, dimensiones que llaman la atención sobre la proporción y el equilibrio a través de sus superficies reflectantes. De cerca, su atractivo reside en la forma en que premian la manipulación y la inspección, objetos diseñados tanto para la mano como para la vista.
Fred Arton de Aarticles, un archivo y mercado de diseño con sede en Copenhague que cofundó con Kasia Sznajder, señala que la mano sigue siendo el principal punto de calibración. “Las manos no son sólo una herramienta para hacer cosas, sino también una herramienta para medir la función y la textura de las cosas”, dice, describiendo la forma en que el manejo determina si un objeto ha sido resuelto o no.
«Cuando se reducen, los objetos se convierten en un estudio más centrado, ya que tenemos que renegociar cómo se ven los detalles».
cristiano + jade
Christian + Jade abordan la báscula como una forma de presión. “Para nosotros, lo que hace que un diseño sea emocionante y único está siempre en los detalles”, explican. «No importa cuán pequeño o preciso sea, es lo que le da a la pieza capas de complejidad y carácter. Cuando se reducen de tamaño, los objetos se convierten en un estudio más condensado y enfocado, ya que tenemos que renegociar y explorar cómo se ven los detalles. A esta escala, el contexto también cambia, desde cómo una pieza de diseño ocupa un espacio hasta cómo existe en relación con el cuerpo, en la mano o en el bolsillo.
cristianandjade.com
Marco «PWML3» de Peter Wiseman para Cassetta
(Crédito de la imagen: Matteo Lavanci)
El marco «PWML3» de Peter Wiseman, producido por la marca Casita, con sede en Copenhague, está tallado en madera de boj y colgado de un cordón de seda para que el pequeño estuche con bisagras pueda usarse en el cuerpo o exhibirse en una pantalla. En el interior hay un retrato de Matteo Lavanci. Este formato mantiene la foto enmarcada alejada de la pared y cerca de la persona que la sostiene.
Para Weismann, esta escala sigue directamente al cuerpo. “El tamaño de las cosas que diseño está directamente relacionado con el tamaño de mi cuerpo”, afirma. “Poder sostener algo en la mano te permite entenderlo no sólo conceptualmente sino también de forma táctil e intuitiva”. Los objetos pequeños siguen siendo móviles. Se les puede tocar o sostener, cambiando su entorno y su relación con otros objetos. Esta movilidad también significa que se puede guardar cuando no se utiliza, lo que confiere a la pieza lo que él describe como “cierta ligereza y encanto”.
Cecily Manz de Cassetta reflexiona sobre el diseño a esta escala; Si bien muchas cosas respaldan aspectos de la buena vida en términos de socialización o carrera, ella sugiere que las cosas más pequeñas también permiten la “libertad poética”. Estas interacciones están asociadas con el tacto y el movimiento, y pueden conducir a lo que ella llama «abundancia perceptiva». «El tacto es personal y satisfactorio», dice, señalando que incluso los pequeños sonidos de posicionamiento y rotación pueden convertirse en parte de la experiencia. En la disposición de objetos más pequeños, su estética y significados también pueden cambiar de maneras inesperadas.
cassetta.dk
Lámpara «OVNI bellota» diseñada por Simon Dupety
(Crédito de la imagen: Luc Bertrand)
La diseñadora francesa Simone Doubity comenzó su lámpara “UFO Acorn” con una sola chapa de roble equipada con un LED. La lámpara más grande está hecha de módulos de luz repetidos, cada uno de los cuales es una pequeña cápsula iluminada a lo largo de un delgado marco de aluminio. En Material y forma, el componente individual también se puede tratar por sí solo, mostrando cómo una estructura más grande crece a partir de un componente pequeño.
Dupety describe el pensamiento en términos de sistemas. “Siento que cuanto más pequeño es un objeto, más se convierte en un sistema funcional: como un clip, un clavo o el botón de una camisa”, dice. Los objetos de este tamaño a menudo contienen ingenio y alegría porque su función debe resolverse en dimensiones muy limitadas.
El proyecto surgió a partir de esta idea. La chapa extraída de los robles se convirtió en la carcasa de los LED, combinando lo que Doubity considera dos formas de producción en serie: una generada por la naturaleza y la otra por la industria. «La naturaleza del sistema es que se puede multiplicar», explica. Comenzar con este único elemento de iluminación le permitió construir una estructura de luz más grande.
“Trabajar en los detalles permite transmitir poesía, especialmente cuando son funcionales”, dice Doubity, describiendo cómo toda una estructura puede basarse en un pequeño elemento que conlleva tanto decoración como propósito.
simondupety.com
Editorial a la letra “Lama” de Delfina Delettrez
(Crédito de la imagen: Cortesía de Delfina Delettrez)
El abrecartas «Lama 925» de Delfina Delettrez, que se muestra como parte de su colección «Objets De Vie», está elaborado en plata esterlina grabada y diseñado para la mano. La forma sigue el gesto de abrir un sobre, trasladando la escala y precisión de la joyería a un objeto doméstico.
Para Delettrez, el diseño a esta escala se centra en la relación entre cuerpo y objeto. «Se pone mucho énfasis en la relación entre el objeto y el cuerpo, especialmente la mano y el gesto», dice. Con “Lama”, el diseño no se trata sólo de cortar papel, sino también de cómo el objeto permanece en su sitio cuando se usa. Pequeñas diferencias de grosor o curvatura pueden cambiar el movimiento necesario para abrir la carta.
Esta sensibilidad proviene directamente de su experiencia en joyería. «Trabajar a menor escala definitivamente mejora el proceso de diseño porque cada detalle importa», explica. Diseñar “Lama” significó trabajar un poco más grande que las piezas que suele hacer, manteniendo la misma atención a la proporción y el movimiento.
materiayforma.com
Jarrón «Press» de Wendy Andrew
(Crédito de la imagen: Fanny Bassetti)
El jarrón «Squeeze» de Wendy Andreu es un pequeño cuenco de cristal cuya forma parece prensada a mano. La pieza fue producida en CIRVA Marsella (Centro Internacional de Investigación en Vidrio y Artes Plásticas), donde Andrew desarrolló la pieza como parte de su serie en curso “Jardin mécanique”. En fotografías de Fanny Bassetti, el jarrón parece ser un volumen comprimido de vidrio estirado hacia adentro en su centro, como si el material hubiera cedido brevemente a la presión.
Para Andrew, la escala cambia el proceso de diseño en sí. «A la hora de diseñar, el tamaño es muy importante», afirma. Los materiales se comportan de manera diferente dependiendo de si el objeto se va a convertir en joyería, mueble o arquitectura; Reducir el tamaño de la pieza elimina muchas limitaciones estructurales, lo que permite presentar las ideas con mayor libertad.
En “Squeeze”, esa libertad es evidente en la forma en que el vidrio retiene un momento de deformación. La forma se refiere a un gesto que se aplica directamente al material, manteniendo la impresión de presión dentro del recipiente terminado.
Vaso «Orphée» diseñado por Justine Ménard
(Crédito de la imagen: cortesía de Justin Minard)
La copa de licor “Orphée” de Justine Ménard se acerca al lenguaje sensual de la mesa. La pieza está soplada a mano en vidrio de borosilicato y se eleva desde una base densa hasta un cuenco delgado sobre el cual parece casi ingrávido, una forma que equilibra la delicadeza con una sorprendente sensación de gravedad.
Las proporciones se basan en códigos de vidrio digestivo, donde el volumen comprime el sabor y la atmósfera; Un vaso de licor contiene sólo una pequeña cantidad, pero su presencia conlleva cierta carga al final de la comida. Minard enmarca el diseño a través de la figura de Orfeo, evocando lo que ella describe como dualidad poética y la «voz femenina». La referencia confiere a la copa un registro levemente mítico; Se sostiene ligeramente entre los dedos, añadiendo una pequeña cantidad de líquido.
Colocada junto a otras obras en miniatura en Matter and Shape, “Orphée” demuestra cómo incluso el recipiente más humilde puede transmitir un aire de hospitalidad. A pocos centímetros del vaso se encuentra no sólo una bebida, sino también un pequeño escenario para servirla.
justinemenard.com
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